5 filmów, które mówią nam, co nikt nam nie mówi

Są filmy, które nie są lubiane, ale dają nam przyjemność istnieć. Są to filmy o estetyce „stali utlenionej”, tak surowej i hiperrealistycznej, że widzimy, że jej twórcą nigdy nie było zaimponowanie, ale zwiększenie świadomości. I to zawsze ma wpływ.

Oczywiście, niektórych rodzajów utworów, takich jak niektóre produkty żywnościowe, nie należy cieszyć się jak zwykle, ale to twoje własne zasoby uwagi ostrzegają o tym: potrzebują dni na trawienie i zrozumienie siebie.

Mimo wszystko to, czego nas uczą, nigdy nie może przypominać fikcji darmowej i sensacyjnej przemocy, wręcz przeciwnie. Wiele z tych filmów, pomimo ich surowości, zawiera wiadomości pełne treści społecznych i ideologicznych, pokazując nam ludzkie cierpienia i mechanizmy, które je wspierają. Jego idea, że ​​poznanie ich reprodukuje się tak mało, jak to możliwe.

W tym artykule pokazujemy kilka tytułów, które można nazwać „przeklętymi” za ich szorstkość, ale pobłogosławione ich przesłaniem. Nie przegap ich, nawet jeśli jest to jeden rok przestępny!

Saló i 120 dni Sodomy (Pier Paolo Passolini, 1976)

Prawdopodobnie jeden z najbardziej imponujących filmów w historii kina, jest zainspirowany ilustrowaną degradacją przekazaną nam przez czytanie markiza de Sade, w krwawiącej ranie europejskiego faszyzmu i kręgach piekła poety Dantego. Film symbolicznie odzwierciedla brutalność włoskiego miasta Saló, ostatniego bastionu zdegradowanego snu Benito Mussoliniego.

Reżyser filmu jest niezapomniany, ale również zapytany Pier Paolo Passolini, uznany za homoseksualistę i komunistę we Włoszech, wciąż mocno represyjny. Sam Passolini doświadczył tej faszystowskiej przemocy w swoim domu, pod wychowaniem autorytarnego i brutalnego ojca, który zaznaczył swoją postać i swoją pracę.

Przesłanie reżysera jest jasne: pokaż, w jaki sposób człowiek może przerodzić się w coś absolutnie nikczemnego tylko dzięki pragnieniu władzy i potrzebie -społecznie stworzony - wyższości; z kolei opiera się na unicestwieniu drugiego poprzez najbardziej absolutne upokorzenie.

Musimy porozmawiać o Kevinie (Lynne Ramsay, 2012)

Przed innymi filmami, w tym są dwa niezwykłe zjawiska: interpretacja Tildy Swinton i wybór różnych aktorów w różnych epokach bohatera, Kevina. Film sprawia, że ​​czerwony kolor i egzystencjalny niepokój matki jej nieomylnych sojuszników sprawiają, że jest to film charyzmatyczny i niezapomniany.

Z psychologicznego punktu widzenia film jest bardzo interesujący, jeśli chodzi o analizę kilku zjawisk: podwójna więź tak wyjaśniła i skrytykowała, że ​​odsłoniła psychoanalizę, społeczną winę zarzuconą matce za wszystko, co robią jej dzieci lub wewnętrzny konflikt kobiety, która czuje miłość do syna, ale jednocześnie odczuwa wobec niego odrzucenie i co oznaczało doświadczenie macierzyństwa w jego życiu.

Lilja 4-ever (Lukas Moodyson, 2002)

Czasami, niezależnie od tego, jak bardzo starasz się uchwycić znaczenie i urok relacji między dwiema osobami w filmie, nie można osiągnąć oczekiwanego związku z publicznością. Nie dzieje się tak w przypadku tego filmu, w którym związek między Lilją i jej przyjaciółką Wołodią przebija ekran i wrażliwość widza za jednym zamachem.

Film opowiada o bolesnym życiu młodej Rosjanki Lilji, porzuconej przez matkę, by przenieść się z chłopakiem do Stanów Zjednoczonych, zostawiając córkę w przygnębionej okolicy w warunkach absolutnej bezradności. Dzika niewinność Lilji będzie zdradzana w całym filmie przy wielu okazjach, w których pokazujemy, jak jej egzystencja pozostawia pierwszy Cándido de Voltaire.

Chociaż film jest niezwykle trudny i nie możemy przestać wczuwać się w nieszczęście bohatera, historia udaje się przebić w słodki i konstruktywny sposób. Życzliwość i autentyczność Lilji przekazuje nam, że nie ma nic bardziej budującego dla człowieka niż rozważanie, jak ktoś nie może zboczyć. Lilja staje się prawdziwie spontanicznym i inspirującym męczennikiem, hojnym w momencie zakończenia cierpienia, zanim stanie się destrukcyjne dla innych.

Breaking the Waves (Lars Von Trier, 1996)

Wśród filmów reżysera Larsa Von Triera był to film, który wyróżnił go jako prawdziwego geniusza jego gatunku: kino z wielkimi literami, wojowniczy i artystyczny na poziomie par. Deklarowała feministkę wielokrotnie i gorzkie antysemickie polemizery w innych, jej ostrość na ukazanie bogactwa psychologii kobiet stanowi kamień węgielny jej pracy. Co więcej, właśnie ten akt odwagi i precyzji odróżnia go od innych reżyserów, którzy podeszli do tego samego tematu.

W tym filmie reżyser opowiada historię poświęcającej się żony w kontekście wstecznej Irlandii, która utonęła we własnym konserwatyzmie. Pomimo tego gorzkiego kontekstu wyłaniają się wyjątkowe i wyjątkowe istoty, takie jak postać Bess, która interpretuje z wielką jasnością Emily Watson. W filmie najbardziej prymitywne doświadczenie pierwszej miłości zmieszane ze smutną i niezrozumiałą rezygnacją żony z jej chorego męża jest doskonale przedstawione..

The Midnight Express (Alan Parker, 1978)

Opiera się ona na prawdziwej historii Billy'ego Hayesa opisanej przez niego w jego autobiografii, chociaż w rzeczywistości wiele wydarzeń opowiadanych w filmie nie wydarzyło się w prawdziwym życiu. Bohater zostaje aresztowany na lotnisku w Stambule za noszenie paczki haszyszu, jedna z najgorszych zbrodni dla tureckiego społeczeństwa tamtych czasów.

Został skazany na 4 lata więzienia w podłym więzieniu tureckim i w filmie opowiada się o wydarzeniach tak żałosnych i nieludzkich, że człowiek może cierpieć w tych warunkach. Tak więc za genialnym scenariuszem znajduje się portret systemu więziennego, w którym nie ma on na celu edukowania więźnia, ale karanie go do wyczerpania.

Wizerunek bohatera idącego przeciwko pobożnym i wyobcowanym więźniom jest wezwaniem do indywidualnego zaangażowania, gdy reszta społeczeństwa jest manipulowana i pod wieloma względami bardzo chora.

5 najlepszych książek na temat rozwoju osobistego Odkryj 5 najlepszych książek, aby ulepszyć i rozwinąć własny rozwój osobisty. W ten sposób będziesz mógł poprawić jakość swojego życia i samopoczucia. Czytaj więcej ”