Quentin Tarantino, estetyka przemocy

Quentin Tarantino jest jednym z tych reżyserów, którym udało się stworzyć własną markę, jego znak rozpoznawczy. Kiedy widzimy jeden z jego filmów, doskonale wiemy, co znajdziemy: przemoc, muzyka, fetyszowi aktorzy, zbliżenia kobiecych stóp, sceny nagrane z pnia, obfity hołd itp. Połączenie aspektów, które reżyser lubi, od hołdów dla filmowców takich jak Alfred Hitchcock po filmy kung fu, kino B i spaghetti western a nawet Flintstonowie.

Tarantino robi to, co chce, tworzy kamee, gra kolorami, przetwarza plany, wymyśla sceny ... i wymieszaj to wszystko, aby znaleźć to, czego szukałem. Wielu może oskarżyć go o plagiat, ale musimy zapytać, czy słuszne jest mówienie o plagiacie, jeśli chodzi o coś w pełni uznanego, a intencją autora jest właśnie przeniesienie sceny do innego filmu, do innego kontekstu, budowanie czegoś zupełnie innego.

Wszyscy, absolutnie wszyscy, pijemy z naszych smaków i wpływów a tworząc coś zupełnie nowego w XXI wieku, na pewno uciekamy się do cytowania lub wymyślania czegoś, co już zostało zrobione wcześniej..

Nie ma wątpliwości, że Tarantino potrzebuje swoich wpływów do budowania swoich filmów, ponieważ przede wszystkim jest świetnym miłośnikiem filmów. Niejednokrotnie wskazywał, że aby robić dobre filmy, nie trzeba chodzić do żadnej szkoły, po prostu musi istnieć prawdziwa pasja do tego, co się robi.. Z pasji rodzi się kino, rodzą się jego filmy i niezapomniane kąpiele w sosie pomidorowym, któremu nas poddaje. W tym miejscu warto zapytać: dlaczego tak bardzo lubimy przemoc? Czym jest kino Tarantino, które czyni go tak wyjątkowym?

Klucze do jego kina

Pomimo tego, że nie trenował jako filmowiec, jego miłość do filmu doprowadziła go do kierunku. Tarantino prowadził zajęcia z interpretacji i pracował w sklepie wideo, miejscu, które sam wymienił jako źródło inspiracji. Wśród przyjaciół i z zamiarem zrobienia prostego filmu pojawiły się Reservoir Dogs, a raczej, co miało być Reservoir Dogs. Tarantino nie widział wtedy możliwości zrobienia prawdziwego filmu, więc pomyślał, że zadowoli się produkcją ekonomiczną i przyjaciółmi. Jednak, producent Lawrence Bender przeczytał swój scenariusz i zaproponował, aby przekształcić go w taśmę, którą znamy dzisiaj.

Tarantino właśnie stworzył znak tożsamości, który poświęciłby go jako reżysera i doprowadził go do czerpania wielu sukcesów i oklasków w przyszłości. Jeśli chodzi o plagiat, Taratino wykorzystuje swoje źródła inspiracji, nadając im nowe znaczenie, umieszczając je w nowej ramce i tworząc z nich coś nowego i oryginalnego. Nie ukrywa źródeł inspiracji, ale podnosi je, składa im hołd i pokazuje je publicznie. Mamy więc na przykład: słynną scenę taneczną z Pulp Fiction wydobyte z 8 1/2 Felliniego lub kostium Uma Thurman w Zabij Billa to bardzo przypomina Bruce'a Lee.

Oglądanie filmu Tarantino to prawdziwe ćwiczenie w intertekstualności. Jego filmy mają własną fabułę i tożsamość, ale są pełne aluzji i odniesień. Z Pulp Fiction (1994), Tarantino skończył konsekrować jako reżyser i scenarzysta, zwrócił uwagę opinii publicznej i krytyków oraz uzyskał swój pierwszy Oscar za najlepszy oryginalny scenariusz.

Inne tytuły, takie jak: Jackie Brown (1997), Przeklęci Bękarty (2009) lub Zabij Billa (2003) zakończy się założeniem marki Tarantino. Wreszcie, jego najnowsze filmy były deklaracją miłości do gatunku, który jest dziś bardzo zapomniany: spaghettiwestern; z Django Unchained (2012) i Ohydna ósemka (2015) odzyskuje istotę gatunku i twórców filmowych, takich jak Sergio Leone, oprócz postaci Ennio Morricone, kompozytora jednych z najbardziej rozpoznawalnych ścieżek dźwiękowych w kinie. Obecnie Tarantino przygotowuje nowy film i powiedział, że jego filmografia będzie się składać tylko z dziesięciu filmów.

Muzyka jest kolejnym filarem, na którym zbudowane jest jego kino, sam reżyser jest odpowiedzialny za osobisty wybór ścieżki dźwiękowej. Dlatego ponownie jesteśmy przed wielką mieszanką wpływów i stylów. Chociaż jesteśmy w okupowanej przez nazistów Francji, Tarantino zachwyca nas kinem, który płonie w rytmie Cat People David Bowie. Tarantino nie troszczy się zbytnio o anachronizmy, sprawia, że ​​kawałki układanki pasują do siebie.

Tarantino i smak przemocy

Jeśli coś określa kino Quentin Tarantino, jest to przemoc. Całkowicie wyraźna przemoc, kąpiele we krwi, które czasami dotykają absurdu i prowadzą do śmiechu. Nie przejmujemy się zbytnio, jeśli postać umiera lub żyje, ponieważ prawda jest taka, że ​​jest niewielu, z którymi naprawdę się wczuwa, dobry przykład tego można znaleźć w Ohydna ósemka. Kiedy chodzimy na taśmę Tarantino, nie spodziewamy się znaleźć ujmujących bohaterów ani zbyt długiego życia na ekranie, idziemy zobaczyć krew, przemoc i śmiać się z tego.

Muzyka, wraz z jej nieuporządkowaną narracją i wyraźną przemocą, która jest nawet piękna, daje nam sceny, które nie są dla nas niezadowoleniem, kochamy. Słynna scena cięcia ucha Reservoir Dogs, na przykład jest ożywiona muzyką i tańcem, a to z kolei jest „repliką” sceny z filmu Django (Corbucci, 1966). W ten sposób przemoc przestaje być niewygodna i staje się obiektem rozkoszy.

Czy przemoc może być zabawna? Gdzie jest limit? W tym momencie Tarantino wielokrotnie cytował, że jego kino to nic innego jak fantazja, fikcja, z której można się cieszyć. Nie powinniśmy kwestionować tego, czy przemoc jest moralna, czy nie, powinniśmy po prostu cieszyć się nią. Przemoc, ożywiona muzyką i pełna gier kontrastowych, jest atrakcyjna, estetyczna. To nie to samo, co film, w którym przemoc jest przedstawiana jako rzeczywistość, w bardzo prymitywny sposób, aby zobaczyć film, w którym przemoc jest tylko wymówką dla rozrywki.

Dodatkowo Tarantino nawiązuje do taśm kung fu w którym obecna jest również przemoc i nikt nie kwestionuje jej moralności, ponieważ są czystą rozrywką. W obliczu filmu surowej, niesprawiedliwej lub rzeczywistej przemocy Pasja (Mel Gibson, 2004), Eksperyment (Oliver Hirschbiegel, 2001) lub Nieodwracalne (Gaspar Noé, 2002), z pewnością nie poczujemy żadnej przyjemności, ale wręcz przeciwnie: dyskomfort. Coś, co nie zdarza się podczas oglądania filmu przez reżyserów takich jak Martin Scorsese lub Quentin Tarantino, gdzie przemoc jest bardziej katharsis, wyzwoleniem i oczyszczeniem poprzez obrazy.

To nie jest coś nowego, ale Arystoteles wskazał to w swoim Poetyka, gdzie dokonał dogłębnej analizy greckiej tragedii i wszystkiego, co się z nią wiązało. Dlaczego Grecy przyszli zobaczyć przedstawienia, w których na scenie pojawiła się przemoc lub kazirodztwo? Właśnie dlatego, że byli tematami tabu w społeczeństwie, namiętności, które żyją w człowieku i które są tłumione przez ich niemoralność. W ten sposób, uczestnicząc w pokazie stylu, powstaje katharsis, czyli oczyszczanie emocji.

To pytanie zostanie rozwinięte później przez niektórych autorów psychoanalitycznych, takich jak Freud. Dlatego smak przemocy wydaje się nie być czymś wyłącznym współczesności lub kina, ale raczej jest to coś, co zawsze było związane z ludźmi; coś, co w taki czy inny sposób próbowaliśmy uchwycić w sztuce. Tarantino zawsze przypomina nam, że jego kino jest niczym więcej niż fantazją, nie jest prawdziwe i dlatego tak bardzo nam się podoba. Jest to katharsis, gra z naszą własną podświadomością, z pasjami i emocjami; i bez wątpienia jest to kino, z którego można się cieszyć.

„Nie chodziłem do żadnej szkoły filmowej, tylko chodziłem do kina”.

-Quentin Tarantino-

Wilk z Wall Street: ambicja i siła Tandem Scorsese-DiCaprio dał nam w 2013 roku Wilk z Wall Street, film opowiadający historię Jordana Belforta, maklera giełdowego o bardzo wątpliwej moralności, ale bez wątpienia bardzo udanego profesjonalnie Ambicja, władza i pieniądze doprowadzą bohatera do życia w ekscesach, które niewątpliwie przyniosą straty. Czytaj więcej ”